王嘉驥的兩個策展說明

一樣引自(程怡嘉，2011)，關於另一位國內策展人，王嘉驥：


2005 年「自由的幻象」展覽論述中，主要觀照全球局勢之下台灣的狀況與視野。他指出，由於資本主義與新自由主義的發展，使得台灣雖然在經濟和戰略上，與第一世界形成無可分割的共同體，但卻處於全球政治和經濟體系的邊緣末梢。


同年的「仙那度變奏曲」，則借助「仙那度」理想樂園的概念，突顯當代現實世界中「空間變調」所顯現的各種議題，期許觀者反身觀照自己所處的時空位置，進而思考當下全球化景況下的世界實況。

另可參考：
王嘉驥，〈自由的幻象〉收錄於《現代美術》 （臺北：臺北市立美術館，2005)，頁24-25。
王嘉驥，〈仙那度變奏曲〉收錄於《典藏今藝術》155 （臺北：典藏出版)，頁98-99。

徐文瑞的策展觀念

以下引自(程怡嘉，2011)論文。關於徐文瑞的策展觀念：


徐文瑞策劃展覽著重於觀念的思考，他並不把藝術欣賞局限於視覺層次，乃是運用策展進行議題的討論和思索。這種態度主要來自於，當代藝術對感官經驗的審美所產生的反動。


2005 年「非常經濟實驗室」一展，他聚焦以經濟活動和相關社會結構為題材的作品，討論當代主流經濟體系底下其他經濟體系的可能性及生存空間。鄭慧華對該展的評論中，寫到：「回頭檢視展覽本身，觀者會發現事實上許多作品並非傳統的『創作』。它們結合了不同形式的紀錄、行動、影像和文件。或更進一歩推敲，這檔展覽意圖將藝術與社會運動結合，或甚至將社會運動的理念不經轉換地直接呈現」。

獨立策展人的社會運動屬性

獨立策展人的身分，是一種對抗國家權力強加藝術審美認知與社會動員的具體實踐。

政治力掌握並支配藝術標準與審查執行等各項活動的機制，漸凍了我們的獨立思考與自主行動能力。從而對社會結構只能無力而無奈的服膺，無法創造或實驗新的可能性。

從師大夜市案到文林苑都更案，揭露的訊息是，我們除了急驚風式的社會運動參與外，更需要一些慢郎中式的反思性社會參與。將社會運動或社會批判以策展形式呈現與再現，是我們亟需要做的工作，也應是一種志業。

獨立策展人概念的發展歷程

以下轉引自

程怡嘉，2011，《台灣「獨立策展人」在藝術場域中之文化生產者角色－以2000-2006年台北雙年展為例》，東海大學美術學系碩士論文。

當前關於獨立策展人的研究，多數依據Szeemann的發展歷程，將獨立策展人定義為：官方之外的展示策劃人員。

1961年，藝評家Szeemann時年28歲，成為伯恩美術館館長。八年任期，不斷嘗試發掘位於藩籬之外的藝術創作，衝擊藝術世界既有的認知價值。

1968年，採用地景藝術家Jaracheff Christo進行包紮整座美術館的創新手法。

1969年5月，Szeemann在伯恩美術館策劃「當態度變成形式」(when attitude becomes form)，力邀當時備受爭議的藝術家，如Joseph Beuys, Lawrence Weiner, Hans Haacke, Claes Oldenburg。另外還有：因在館外非法張貼海報而被逮捕的Daniel Buren，以及以重達210公斤鉛球毀所柏油路面的Michael Heizer。Szeemann充分展現「創新」、「顛覆」、和「實驗」的精神。

他意圖揚棄現代藝術中對於物質形式的審美認知，而飽受機構施壓及學術抨擊。

1970年辭去館長職務，在接下來的30年期間，持續接受商業贊助，以個人身分舉辦為數眾多且深具爭議的藝術展示。

1975年Susan Sollins和Nina Castelli Sundell在紐約成立「國際獨立策展人協會」(Independent Curators International, ICI)，承襲Szeemann實驗性的精神，欲解放具有固定收藏和既有空間的展示形式，傾力支持推動當代藝術的發展，追求更多元豐富的藝術型態。

侯瀚如談到展示策劃應有的態度時，說道：「每一個展覽都是新的可能性，來提出一個新的實驗」。獨立策展人不同於美術館內的展覽策劃人員或一般約聘性展覽策劃者，他們致力於與現代藝術的學術意識劃開距離，並與當代藝術學理和社群保持密切關係。

關於Andy Warhol的照片

亂逛網頁看照片，有些部落客真的很用心，整理很多有趣主題的珍藏照片。就像個小型展覽一樣，好玩極了。

分享兩個網頁，是我在找Andy Warhol照片時意外發現的。

第一個是關於Andy Warhol and Edie Sedgwick的一組照片展，取名叫fashion couples為主題。
感想 1：Edie 的腿真好看。
感想 2：Edie後來被Bob Dylan傷透心，憔悴、病痛、終死。Andy與攝影師為她留註了永恆的美。
還可以再補上這張，紐約下水道。
2006年，一部名為 Factory Girl 的電影，敘述 Edie, Bob, Andy的故事。

第二個是關於搖滾傳奇的一些珍藏照片，主題就叫 Rock>>Music Legends。
印象最深的就是Mick Jagger組團的小新聞剪報。以及沃荷、藍儂、洋子彼此 hold 住的照片。

日本茶禪文化的簡短脈絡

從小喝茶喝到現在，不能一日無茶。茶與閱讀之間的關係，是渦輪強化性的。年紀漸增，開始思考茶道(物)、思道(人)、世道(群)之間道同相謀的居適情境。

小時候素來看不慣日本茶道之正襟危坐道貌岸然，自以為喝茶就要像納博科夫讀書那樣讓脊椎骨舒適。長大後塵世雜務太多，開始思考飲茶的情境。最早讓我注意到的，是松下幸之助的幾張年老照片，真真庵的一些場景。

今好奇一查日本茶禪文化，沒想到還真有趣。幾篇推薦的連結，介紹我研讀的路徑：

首先「由中切日」的是這篇功力深厚，台大蕭麗華老師的講稿，唐詩中的茶禪美學，從唐朝寫到日本。開始知道幾個日本茶禪文化的關鍵人物，也就茶道祖師們。

第一位是一休宗純禪師。他就是卡通一休和尚的原型。標準水瓶座小時了了，長大屌屌的怪咖。他跟茶禪的直接關係我尚未明瞭清楚，但至少他是下一位，茶道開山始祖的老師。

第二位是村田珠光。他將茶跟禪的關係確立，因為禪道所以有茶道。茶道在此是修身養性的形式，是節慾不是享受，是心腦不是脊椎，是空寂不是滿足。不過村田珠光打造了茶道空間形式，創了四鋪(帖？)半草庵茶。也就是以四張半塌塌米為茶室標準空間規格，在其中每日點茶供香，體悟佛法。

第三位是武野紹鷗，是一位繼往開來的人物，他深受村田珠光影響，又是千利休的老師，地位無可取代。武野開創新的東西不多，但是茶禪一味的美學詮釋家。他著述強化茶禪精神論述，並且以工藝強化茶禪精神形式，例如書法、茶具、花、禮等，讓形式與意識成就美學主體。

最後是千利休，人稱茶聖。他的貢獻是讓茶道俗民化平等化。他將茶道精神從宗教儀式轉為生活形式，空間樣式就跟著從四張半塌塌米轉為個人化極簡風的三張或甚兩張。喝茶不在庵內，在個人墊上，變成我們現今比較常見的那種日本茶道風格。

千利休因茶聞名，成為天下第一茶匠權傾一時，先後伺奉織田信長與豐臣秀吉，最後被秀吉敕令切腹。

庵長這樣：


圖片來源：http://1626.tudou.com/home/diary_v5717186.html

千利休的草庵：


圖片來源：http://www.naitik.net/blog/6376

普魯斯特，追憶似水年華，中文的四個版本

我心中總會週期性的迴旋著普魯斯特。究竟我為什麼這麼迷普魯斯特呢？

當現實生活蒼灰貧乏、語言無味、精神沉悶時，我就會想起普魯斯特。
好似召喚他的名，就會盛開出滿庭鮮豔的藝文詞語意象之花兒來。

普魯斯特對我也是一個藝術評論的大全集。悠遊扭異時間的空間評述者。穿梭帶領我們一窺文學蟲洞堂奧的法師。

台灣目前出了三套追憶似水年華的版本。我竟也情不自禁的蒐集了起來。

聯經一版，現已絕版。1990年出版，是我學生時代迷戀的封面版本(真樸拙、奢華低調的佇立在中和的央圖台灣分館，讓我不禁拾起而讀)。譯者標誌的是劉方、陸秉慧"等"。就不考究的立場，將就讀可以看出興趣。至於要體現普魯斯特的文學造詣，這也就不好苛求了。因為後面的版本也只能「稍好」，無法「最好」。七人分譯的結果，最大的毛病是缺乏統合與一致性。

聯經二版，15人合譯。此與一版不同，是分工後有協調整合。據說是第一套中文版，原由南京譯林出版社所刊行。嚴格來說，這個版本仍是現階段較好的版本。

時報版。大陸法文譯者周克希一人所譯，原為上述聯經二版15人譯者之一，發願利用退休後獨力重譯。自2004年一年一卷的計畫，因周先生身體狀況而有所遲延。2004年出了第一卷第一部，第二三部兩本，直到2011年才又見第二卷一、二部出現。周先生宏願戮力，精神令人感佩，但有論者以為以其數學教授難為駕馭普魯斯特文巧之高奇。目前出到第二卷，共四本。

我本身也不懂法文，只是愛讀普魯斯特，與跟他相關的評傳。所以無法比較翻譯品質。

另一個也值得收藏的，是南京譯林出版社的徐和瑾譯本新版。也是一人獨譯。徐先生參與先後兩個版本(上述聯經一版、聯經二版)的分譯工作，復旦大學法文系退休後也是發願重譯。目前出到第三卷，共三本。

Stephen Bayley：將近30年仍未完成的房子

跟Terence Conran合著，設計全書A-Z，當代文化與設計評論家Stephen Bayley，有件有趣的軼事。

刊登在2008/8/6獨立報的一篇訪談新聞中，Stephen Bayley談起他當時居住25年、位於倫敦西南方、卻仍未完成的房子。他說：打造一個家就像美食與性，匆忙不得。而他對花園的要求只有一個：能與書和美酒相伴而坐的地方。

對一個也在構思如何打造與設計自己第一個房子的我來說，Stephen Bayley真是一位令人會心的性情大師。

[轉載] Terence Conran的個人品味與事業版圖

小編記：今早發現一本好書，設計大師談設計，內容是英國教父級設計大師Terence Conran，與世界110位頂尖設計師的精采問答。這本書要價900元，為了確定是否值得購買收藏，我打算跨完年後去圖書館翻閱看看先。

不過倒是看了一篇網路文章後，對這位縱橫設計界與商場的康藍爵士很有興趣。也參觀了一下Conran Group網站。先將這篇好文轉載給各位欣賞：


泰倫斯‧康藍（Terence Conran)── 個人品味，也能 成就事業王國

採訪‧撰文= 杜祖業

台灣靠個人品味賺錢的個體戶不少，卻沒有出現過一個像英國康藍爵士這樣，能把個人品味經營成有聲有色的事業集團，走進Conran Shop裡，大大小小商品構築出一副「Good Life」的藍圖，只要感受過它的優質生活情境，很少不陶醉上癮的……
6月初的東京，空氣瀰漫著一股如棉絮般的暖意，快步行走的我額頭涔涔冒出汗水，從JR新宿南口步行到西新宿超高層樓群大約要20分鐘，希望趕在打烊前到達，所以腳程不覺加快起來。

來到大樓門口就隱約覺得不對，小貓兩、三隻的人群跟我上次來的情況差很多，一問之下，原來本日公休！晴天霹靂之餘看著鐵門深鎖的Conran Shop，實在心有不甘。 踱回飯店的路上一邊想著，這兩、三年我逛過倫敦、巴黎、紐約、東京各地的Conran Shop，每次抱著朝聖般的心情走進店內，感受國際最頂尖的家居時尚氣氛，歐美國家高級家居用品店不只這家，但Conran Shop獨特的氣質，陳列出的優質生活情境，就像大麻一樣讓人不自覺陶醉上癮。

製造這人間仙境的人物泰倫斯‧康藍爵士（Sir Terence Conran），以他名字命名的Conran Shop不過是他龐大事業集團的一部份，經過30多年的經營，他的勢力遍及建築、室內設計、家具設計、零售通路、餐飲連鎖、精品旅館、美術館、出版社和設計基金會等，影響力從基地倫敦向外幅射出，越過英吉利海峽到歐陸、飄過大西洋到紐約、甚至是地球另一端的日本。所有的事業體都有一個共同的態度；也是康藍爵士一生的主張「Good Life」。人人嚮往的生活情境不少混得不錯的個體戶就是靠個人品味做生意，但事業規模很難做大，做大的過程往往面臨喪失個人特色的危機，以至陷入兩邊都難兼顧的窘境。以一個人的信念或生活態度做為材料建立一整座事業巨廈，康藍爵士並非唯一，美國的瑪莎‧史都華（Martha Steward），從媒體節目樹立品味權威的地位，進而跨足商品零售，快速成長為上市公司。
這種商業模式無論是在傳統產業或新經濟IT領域都是罕見的例子，單憑老闆一人的風采魅力以及品味導師的身分，做為銷售的信心背書，顯然他們探勘到消費者內在某處未開發的綠洲，他們營造的生活情境讓人心嚮往之，buy it，get「Good Life」。學美術出身的康藍爵士一開始專精於家具設計，位於倫敦西區諾丁丘（Notting Hill）一個地下室的工作室，專接商業客戶訂單。康藍設計的家具走摩登洗練風格，大受好評之下業務順利成長。但他並不滿足當下的成就，訂作家具的市場規模有一定的局限，而且難以接觸到普羅大眾，康藍希望他的設計美學理念可以推銷給更多人，首先必須克服通路和價位的問題。60年代的英國，大戰的餘燼消失無蹤，大量興起的中產階級和專業人士對生活品質愈來愈講究，但是市場上盡是父母輩風格的老掉牙家具，當時在美國、北歐和義大利風起雲湧的現代設計家具很少在英國看到，就算有也因為數量的關係，昂貴的價格讓一般大眾難以負擔。

60年代倫敦的符號之一康藍爵士嗅聞到這股趨勢，1964年在倫敦市中心開了Habitat這間店，一網打盡所有居家生活用品，從沙發、床組到杯盤鍋碗一應俱全，以商品種類來看，是間道地的百貨公司，但Habitat的賣點不僅是價位平實、一次購足貨色齊全，更重要的是康藍爵士用一件件大大小小的商品拼貼出他心目中的「Good Life」藍圖。強烈風格與生活主張是Habitat數十年不變的特質，即使它在1995年賣給IKEA，Habitat在居家領域的角色依舊是輪廓鮮明、時髦摩登。康藍爵士對於時尚的敏銳眼光，讓Habitat成為60年代倫敦的符號之一，被稱為搖擺倫敦（Swing London）的推手之一。

回顧當時Habitat的商品，確實和之前暮氣沉沉畫清界線，迷幻的圖案和簡約的線條，忠實地反映出那個時代的美學口味。Habitat風暴很快地吹襲世界各地，康藍的「Good Life」主張從抽象名詞變成琳琅滿目的商品，而他也不再安於家具設計師的角色，家具不過是生活美學其中一個螺絲釘，市場對Habitat的熱烈反應讓他窺見個人品味有可能發展成巨大的事業王國，於是康藍爵士將他熱愛的現代風格延伸到其它生活領域，透過他旗下的建築、商品開發、出版團隊大聲宣揚，成為20世紀現代設計最有影響力的人物。1973年，Habitat在英國已有18個據點，同時首次跨出國內，進軍以口味挑剔著稱的巴黎，精力充沛的康藍再闢新系列Conran Shop，這個掛上他名字的店舖，商品比Habitat檔次要高，就康藍自己的說法是有些商品因為價位或風格的關係無法擺在Habitat架上，特別是設計師系列的商品，康藍不願意優秀的設計就此埋沒，於是Conran Shop成為旗下零售體系的旗艦。

康藍曾經說過：「我深信只要是價位合理、製作品質良好、設計精美的商品一定賣得出去。」即使是走普羅路線的Habitat，依然非常重視設計美學和時髦流行，不因為價格打折扣，但對消費能力和品味層次更高的客戶來說，Habitat是無法滿足他們的，Conran Shop對準他們的荷包和美學品味發射致命的一擊。經營重心逐漸轉移Habitat在1981年成為上市公司，隔年康藍買下世界最大的嬰兒用品連鎖店Mothercare與Habitat合併。這個集團陸續進軍男女裝市場，並入主法國FNAC，成為大股東，整個80年代快速發展下來為康藍累積雄厚的資本。90年代初，康藍卸下總裁的職位，沒多久Habitat就賣給IKEA，這時康藍的重心逐漸移轉到Conran Shop和餐飲事業上。

康藍花了350萬英磅從米其林集團買回Conran Shop，開始進行展店計畫，在8、9年之內開了巴黎兩家、東京和福岡各一家、紐約一家、倫敦增至4家，今年下半預計在東京丸之內再添一間。每一間Conran Shop雖然商品內容大同小異，但依所在地方略有調整。就像Habitat一樣，Conran Shop現在也是一次購足型的賣場，巴黎、倫敦和紐約的店舖每間都是佔地廣大，從客廳、臥室、廚房到庭園，涵蓋所有家居生活機能。

康藍爵士的「Good Life」品味在Conran Shop毫無保留地呈現，他所選擇的商品包括著名設計師的經典作品、年輕新銳的前衛之作、以及獨家專屬的設計，在店內逛一趟下來，當今國際在流行什麼，哪些是不被歲月淘汰的經典，這一季最in的居家風格，大致在腦中成型。英倫餐館征服花都人餐飲是康藍另一項重要的事業，早在1953年，他就開了一間Soup Kitchen輕食店，只賣湯、法國麵包和義式咖啡，以低價供應基本水準的飲食。接下來30年，康藍斷斷續續開了幾間餐廳，不過都沒有80年代末那麼認真，卸下Habitat的重擔後，康藍以他的大本營；泰晤士河畔的Butlers Wharf為出發點，一家接一家愈開愈入戲。Butlers Wharf這塊區域以康藍投資的Design Museum為中心，各種風格的餐廳、酒吧結合花市和Conran Shop成為倫敦市民週末消磨時間的逛街地點。

康藍爵士開的不是那種老氣橫秋的正統餐館，結合加州和澳洲的無國藉融合料理、新派法國菜、亞洲菜都是他勇於嘗試的種類。可以看出他對於美食潮流的重視，就像每一間餐廳摩登洗練的裝潢一樣，光鮮時髦的都會風貌，深受專業雅痞階級的喜愛，與Conran Shop的客層不謀而合。英國食物向來以難吃聞名，鮮少聽說英國餐館跨出國門可以存活的例子，康藍卻斗膽將館子開到巴黎去，成天嘲笑英國佬廚藝有多爛的法國人，竟然無法抗拒開在左岸的Alcazar，這間被康藍收購重建的俱樂部，以超級時髦的面目重返花都，立刻成為城內最熱門的話題，康藍即使征服不了法國人的胃，至少他所塑造的氣氛情境，巴黎人是徹底折服。
如果這樣說下來，你對康藍的「Good Life」仍然滿頭問號，看幾本Conran Octopus出版的書應該可以盡窺全貌。這間80年代創立隸屬Habitat集團的出版社，將康藍個人生活品味盡錄書頁之間，IKEA收購Habitat，Conran Octopus被其它財團接手，但是整個出版方向與康藍仍是關係密切，在室內家居、花藝庭園到飲食生活這類軟性書領域佔有屬一屬二的地位，專攻摩登現代的美學風格。康藍爵士本人掛名的書也不少，談他喜愛的家居風格、開餐廳的經驗、眼中的倫敦，至頭至尾的簡約現代氣味，從他開設第一間Habitat以來沒變過。

很難去解釋什麼是「Good Life」，但沒有人懷疑康藍提出的生活情境不是「Good Life」，他把自己畢生的最愛、信仰和生意結合在一起，這種強烈個人色彩的商業模式很難模仿，卻帶給我們一個重要的啟示：風格不是一天造成的。有趣的購物戰利品展覽培養風格需要無比的耐心，康藍集團底下有個基金會（Conran Foundation），每年固定舉辦一個有趣的展覽，就是找一位時尚設計領域的名人，給他1萬英磅去買東西，最後把購物戰利品擺在倫敦Design Museum展示，《Wallpaper》總編輯、當紅設計師Marc Newson都被邀請過。這個展覽所費不多，每年一定會引發話題，愛買的時髦人士無不好奇他們究竟買了什麼。

康藍藉由這些意見領袖傳達採購優質設計良品的訊息，雖然不是直接替旗下事業促銷，卻隱約地把設計、時尚、購物和Conran的形象串連在一起。年過70喜歡叼根雪茄吞雲吐霧的康藍爵士，追求「Good Life」的熱情絲毫不減，為了採買Conran Shop新闢的亞洲設計雜貨區，親自遠征越南、印尼、泰國、日本，遇見漂亮的設計雜貨，歡喜得就跟小孩子沒兩樣。有這樣充沛的原始動力和精神，才有可能建立個人品味的事業王國吧。一面想著，一面心裡在盤算明天去機場前有沒有時間再跑一趟Conran Shop。

[轉載]經理人月刊－迪士尼SCSE法則

在全世界5個迪士尼樂園之中，東京迪士尼的造訪人數高居世界第一；同時，它還能在每年服務1500萬名遊客的情況下，以高水準的服務品質吸引遊客再次造訪，創下每年高達98%的回客率。更令人不可思議的是，這些在最前線服務的迪士尼員工，有九成是工讀生。

曾經擔任東京迪士尼樂園第一期正式員工、現任JS Partner負責人的福島文二郎，在《沒經驗的新人，也能成為100分員工》一書中，公開分享東京迪士尼的領導哲學：

首先，迪士尼在招募工讀生時，原則上都會先預設為「全部錄用」，然後，從中挑選出「喜歡教人」「有熱忱」的工讀生，詢問他們是否有意願擔任訓練員。通常，在經過公司內部訓練後，即使是只具備工讀生的身分，也能扮演起傳承公司文化的要角，甚至成為新進人員的榜樣。

在如此特殊的人力結構下，迪士尼的企業文化及工作規則是否明確，就顯得非常重要，否則年輕又經驗不多的工讀生，在面臨各種突發狀況時，很容易手忙腳亂，導致服務品質低落。

為了防止這樣的狀況發生，迪士尼在進行員工訓練時，都會反覆教育一套獨門的「SCSE法則」（Safety、Courtesy、Show、Efficiency），協助員工建立一套可用於任何狀況的思考原則；而迪士尼員工在面對各種問題時，也都必須以「S→C→S→E」的優先順序來衡量：

1.安全（Safety）：對於每天平均有4萬名遊客造訪的迪士尼，「安全第一」是不容忽視的最高指導原則。遊客的安全先獲得保障，才能享受美好的消費體驗。因此，迪士尼要求全體員工，只要遇到危險狀況或感覺到危險時，就要立刻執行因應的相關措施。

2.禮貌（Courtesy）：迪士尼秉持「所有遊客都是VIP」的理念，要求員工對待所有遊客，一律要恭敬有禮，並且面帶笑容；與遊客面對面接觸時，也要直視對方的眼睛。此外，員工也要懂得發揮同理心，自動自發提供遊客需要的協助。

3.表演（Show）：在迪士尼，所有的工讀生都被稱為「Cast Member」（劇組人員，意指表演的一分子），Cast不僅意謂「員工」，同時也代表「演員」。由於迪士尼將園區內顧客所感受得到的消費經驗，都稱為「前台」，員工無論是戴頭套表演、或擔任解說員、賣東西，一律視為「表演內容」，因此演員（員工）一上台就必須切換前後台之間的開關，個人情緒只能留到下班後，即使是親友問起後台的祕密，也必須保密。

4.效率（Efficiency）：遊客付出金錢與時間專程前來，倘若工作人員無法使遊客感受到對等的享受，遊客就不會想再光顧。因此，精簡而有效率地達成遊客的期望，也是迪士尼要求工讀生努力的目標，以不做無謂浪費為訴求，用最精簡的方式為遊客帶來更多歡樂。

（製圖、撰文 / 蔡芳紜，編輯 / 陳清稱，本文取材自《經理人月刊》2011年12月號）